Café Society (ídem, 2016) de Woody Allen.

“La vida es una comedia escrita por un autor sádico”.

Años 30. Bobby Dorfman (Jesse Eisenberg) es un joven neoyorquino que se muda a Los Ángeles con la intención de que su tío Phil Stern (Steve Carell), un poderoso agente de Hollywood, le proporcione trabajo. Allí, conoce a Vonnie (Kirsten Stewart), la guapa secretaria de su tío, de la que no tardará en enamorarse perdidamente.

La cita de este año con Woody Allen la constituye Café Society, un divertido y, a ratos, delicioso ejercicio de melancolía cinéfila y vital, con el que el veterano autor de Manhattan (1979), tan ingenioso como de costumbre aunque quizá más liviano que en otras ocasiones, reflexiona en torno a temas como el paso del tiempo, la industria del Hollywood dorado o las inextricables intermitencias de ese sentimiento extraño y universal al que llamamos amor.

El propio Allen, que hace las veces de narrador omnisciente, guía al espectador a través de un relato caleidoscópico en el que, si bien el eje central es la historia de amor entre Bobby y Vonnie, también hay tiempo para detenerse con frecuencia en las vidas de los distintos miembros de la familia del protagonista, destacando la subtrama gansteril relativa al hermano mayor (Corey Stoll) o las hilarantes conversaciones de los dos progenitores (Ken Stott y Jeannie Berlin) en torno a la religión judía. El uso del flashback resulta muy recurrente a lo largo de los noventa y seis minutos de metraje, ya sea para aportar información sobre los diferentes personajes o simplemente para ilustrar situaciones previas que habían sido omitidas. Café Society, que supone un ejemplo de concisión narrativa, goza de un ritmo trepidante al que sólo se le puede reprochar cierto abuso en la utilización de la voz en off.

En el apartado visual, nos encontramos con una elegante puesta en escena erigida en determinadas ocasiones a partir de largos planos secuencia muy bien elaborados y ejecutados. La preciosa y crepuscular dirección de fotografía del mítico Vittorio Storaro (Apocalypse Now, Novecento, El último emperador…) hace el resto.

Quizá uno de los puntos más flojos de la película que nos ocupa, al menos en opinión de quien esto escribe, sea su reparto, donde todos cumplen pero en el que ni uno solo sobresale.

Conclusión: Woody Allen mantiene la forma a pesar de sus ochenta años. Su pasión por el cine continúa siendo admirable.

Irrational Man (ídem, 2015) de Woody Allen.

“El hombre que pretende obrar guiado sólo por la razón está condenado a obrar muy raramente”.

(Gustave Le Bon)

Al Campus Universitario de Braylin llega Abe Lucas (Joaquin Phoenix), un estrafalario profesor de Filosofía conocido por su brillantez intelectual y su carácter atormentado. Muy pronto, una de sus alumnas, Jill Pollard (Emma Stone), se enamora de él.

Con esta comedia negra que en realidad no es tal (el mismo guión, con unos pocos cambios, habría dado lugar a un estupendo thriller de haber sido filmado con otro tono), Allen plantea de manera inteligente una serie de incómodas cuestiones relativas a la razón y al crimen que, inevitablemente, nos hacen pensar en el Hitchcock de La soga (Rope, 1948), y, sobre todo, en el de La sombra de una duda (Shadow of a Doubt, 1943), película de la que considero que Irrational Man es poco menos que una sutil variación (la escena del ascensor es un claro homenaje a la del tren de la obra maestra del director británico).

A partir de su llegada al campus, Abe se convierte en el centro de las conversaciones de profesores y alumnos, llamando la atención de dos mujeres: Rita (Parker Posey), una profesora casada con merecida fama de promiscua, y Jill, alumna de clase media que mantiene un superficial noviazgo con Roy (Jamie Blackley). Abe sólo se relaciona con ellas. Además de con Kant, Heidegger o Kierkegaard. Es un tipo descreído y desesperado. Adicto al alcohol y con aspecto desaliñado. Como buen filósofo, tiene una concepción pesimista de la existencia. Lo mismo le da vivir que morir. Ese carácter frágil y afligido, anticuadamente romántico, unido a su radical personalidad, lo convierten en irresistible objeto de deseo para ambas. Sin embargo, entre su temporal impotencia y su desgana crónica, la relación que establece con las dos no va más allá de la amistad. Hasta que, cierto día, mientras charla con Jill en una concurrida cafetería de la ciudad, escucha por casualidad una conversación que está teniendo lugar en la mesa de al lado, y que, de repente, dotará de sentido a su vida. La conversación gira en torno a un magistrado que quiere retirar a una mujer la custodia de sus hijos en favor de su ex marido por el mero hecho de que conoce al abogado de éste. Entonces Abe se plantea una cuestión moral similar a la del personaje de Raskólnikov en Crimen y castigo de Dostoievski: ¿sería justificable asesinar una persona que es objetivamente mala y causa infelicidad en los demás? Pues, desde un punto de vista estrictamente racional como el suyo (creo que el título del filme tiene un sentido irónico), sí. Porque acabas con un mal bicho y haces del mundo un lugar mejor. Otra cosa bien diferente es que dicha acción sea ética (lo razonable no siempre es lo más ético, ni lo ético siempre resulta ser lo más razonable). Por no hablar de las consecuencias que tal acción pudiera acarrear. El caso es que Abe decide actuar, y planifica el asesinato del juez con minuciosidad en busca del crimen perfecto. Enfrascado en ello, recuperará las ganas de vivir, abandonará la bebida, superará sus problemas de impotencia, se enamorará de Jill, etc. Pero todos sabemos que el crimen perfecto no existe…

La película posee una muy apreciable construcción narrativa articulada sobre la utilización alterna de las voces en off de Abe y Jill, lo que dota a la historia de un doble punto de vista. El papel de hombre perturbado (otro más en su carrera) le viene como anillo al dedo a Joaquin Phoenix, mientras que la deliciosa Emma Stone demuestra por qué se ha convertido en una de las nuevas musas del realizador neoyorquino.

Irrational Man, se diga lo que se diga, supone un buen Allen a pesar de la ausencia de auténtica brillantez.

El sueño de Casandra (Cassandra´s Dream, 2007) de Woody Allen.

“Es pecado lo que inflige remordimiento”.

(Cesare Pavese)

Ian (Ewan McGregor) y Terry (Colin Farrell) son dos hermanos londinenses que, debido a sus problemas económicos, de diferente matiz, se ven envueltos en un crimen.

Cassandra´s Dream supone uno de los trabajos más oscuros, pesimistas e infravalorados de la filmografía de Woody Allen. En él, el autor de Delitos y faltas reflexiona sobre la vileza de algunos actos humanos y las terribles consecuencias que estos acarrean. De fuerte contenido moral, la película, con resonancias del Dostoievski de Crimen y castigo, se erige a partir de esa concatenación de sutiles ironías que presiden nuestra arbitraria existencia.

En El sueño de Casandra (el título alude tanto a la pequeña embarcación que los protagonistas compran al principio del filme como al mito griego) encontramos a dos hermanos con diferente personalidad, en apuros económicos por distintas razones. Ian, el mayor, necesita el dinero para complacer a Ángela (Hayley Atwell), una actriz de teatro a la que considera la mujer de sus sueños, cuando en realidad se trata de una fulana interesada; mientras que Terry, un pobre diablo, lo necesita para hacer frente a sus deudas de juego. Ambos consideran que el tío Howard (Tom Wilkinson), un pariente rico que recuerda en determinados aspectos al tío Charlie de La sombra de una duda (Shadow of a Doubt, 1943), de Alfred Hitchcock, es su solución, pero, he aquí la paradoja, lo que desconocen es que también será el origen de sus problemas (omito el spoiler). Lo que verdaderamente parece interesar a Allen, es cómo sus dos personajes principales se enfrentan a un mismo hecho y a las consecuencias de éste de desigual manera. En ese sentido, la extrema frialdad con la que actúa Ian contrasta con el sufrimiento de conciencia que padece Terry. Ewan McGregor y Colin Farrell (dos actores a reivindicar) están espléndidos en sus respectivos roles.

El realizador neoyorquino opta por una puesta en escena sobria, manejando con habilidad una gran gama de recursos técnicos y narrativos como las tomas largas, el travelling, la elipsis o el fuera de campo (magnífica la escena del asesinato), y reforzando el suspense de algunas secuencias gracias la inquietante partitura de Philip Glass.

Junto a Match Point, cinta con la que la presente comparte bastantes cosas, el mejor Allen de la última década.

Magia a la luz de la luna (Magic in the Moonlight, 2014) de Woody Allen.

“La razón no me ha enseñado nada. Todo lo que yo sé me ha sido dado por el corazón”.

(León Tolstói)

Año 1928. Stanley Crawford (Colin Firth), un reconocido ilusionista que actúa por todo el mundo bajo el seudónimo y la apariencia del mago chino Wei Ling Soo, viaja, a petición de un viejo amigo, hasta el sur de Francia para desenmascarar a Sophie Baker (Emma Stone), una médium norteamericana con supuestas facultades paranormales.

A pesar de lo que reza el título de la cinta que toca analizar, el cine de Woody Allen perdió la magia hace ya muchos años. Magic in the Moonlight se integra dentro de esa serie de trabajos desenfadados e intrascendentes a los que el realizador neoyorquino nos tiene acostumbrados en los últimos tiempos. Se sigue con el mismo agrado y con la misma facilidad con la que poco después se olvida. Indudablemente el sello Allen está presente en la configuración de personajes, situaciones y diálogos; pero en ningún momento se pierde la sensación de estar asistiendo a una obra menor de quien en otro tiempo fuera un gran cineasta.

Con ecos de Atrapa a un ladrón (To Catch a Thief, 1955), de Alfred Hitchcock, por estar ambientada en la paradisíaca Costa Azul o Riviera Francesa (el paseo en coche de Colin Firth y Emma Stone recuerda mucho al que daban Cary Grant y Grace Kelly en la citada obra del maestro del suspense), la película constituye una entretenida comedia romántica en la que su personaje principal, un tipo extremadamente escéptico, racional, sarcástico y pesimista (evidente álter ego del autor de Manhattan), se verá obligado a elegir entre sus fuertes convicciones ideológicas y los dictados que marca su corazón. Este enfrentamiento entre la razón y la creencia, o, si nos remitimos al título de la célebre novela de Jane Austen, entre el sentido y la sensibilidad, sirve a Allen para reflexionar sobre algunas de sus obsesiones habituales, tales como la muerte, las relaciones de pareja o el sentido último de la existencia.

La puesta en escena resulta elegante, gracias al espléndido diseño de vestuario estilo años veinte, a las exquisitas localizaciones exteriores, a la nostálgica mirada fotográfica de Darius Khondji, y a la envoltura musical a base de piezas de jazz de la época.

Como decía, una obra menor, entrañable a ratos, que seguramente guste a los admiradores más fervientes del director estadounidense.

Blue Jasmine (ídem, 2013) de Woody Allen.

“La vida es un proyecto estúpido y sin ningún tipo de sentido. La única manera de sobrevivir es contarse mentiras”.

(Woody Allen)

Tras sufrir una fuerte crisis nerviosa, Jasmine (Cate Blanchett) se traslada a San Francisco para instalarse en el apartamento de su hermana Ginger (Sally Hawkins). Allí, mientras trata de empezar una nueva vida, recuerda su pasado glamouroso en Nueva York junto a su marido (Alec Baldwin).

Blue Jasmine, estimable aunque sobrevalorado último trabajo de Woody Allen, es una tragicomedia, más trágica que cómica, que gravita en torno al deterioro psicológico de su personaje principal: una espléndida y atribulada Cate Blanchett que emula a la Vivien Leigh de Un tranvía llamado deseo (A Streetcar Named Desire, 1951), de Elia Kazan. Parece evidente que el autor de Annie Hall, ha debido inspirarse en la obra del dramaturgo Tennessee Williams para elaborar el guión del filme que nos ocupa, cuyo título supone un juego de palabras entre el nombre de la protagonista y el clásico musical Blue Moon, al que se hace alusión en determinados momentos del metraje.

Desde el punto de vista narrativo, la película está muy bien estructurada, alternando el presente de Jasmine en San Francisco con su pasado en Manhattan. De ese modo se pretenden mostrar las diferencias de su modus vivendi en un sitio y otro, así como las causas de su actual estado socioeconómico y mental (es una adicta a los antidepresivos y en ocasiones habla sola). El contraste entre esos dos mundos tan dispares, es el elemento clave de la trama en el que Allen insiste de manera bastante obvia y poco original. Esa alternancia temporal, permite que lo mismo veamos a Jasmine siendo anfitriona de una fiesta a la que acude lo más florido de la clase alta neoyorquina, como asistiendo a otra, en San Francisco, desesperada y en busca de un buen partido al que enganchar. Allen se centra tanto en su personaje principal, que el resto de caracteres, casi anecdóticos, apenas sirven de contrapunto al mismo. Incluyendo a un Alec Baldwin, estafador de estafadores, en un rol que recuerda al de Bernard Madoff.

En definitiva, un filme interesante aunque falto del ingenio al que nos tenía acostumbrados (hace mucho tiempo, eso sí) el popular realizador neoyorquino. Habrá que darle una nueva oportunidad.

Manhattan (ídem, 1979) de Woody Allen.

“Cien veces he pensado que Nueva York es una catástrofe, y cincuenta veces que es una hermosa catástrofe”.

(Le Corbusier)

Isaac Davis (Woody Allen), guionista de gags para la televisión que ya pasa de los cuarenta, sale con una adolescente (Mariel Hemingway) y mantiene una difícil relación con su ex esposa lesbiana (Meryl Streep), quien está a punto de publicar un libro donde detalla algunas intimidades referidas a su fracasado matrimonio. Además, se enamora de Mary (Diane Keaton), la amante pseudointelectual de su mejor amigo (Michael Murphy).

“Capítulo Primero. Él adoraba Nueva York, la idolatraba de un modo desproporcionado…”. Con esta declaración de amor sin condiciones a Nueva York comienza Manhattan, al mismo tiempo que una sucesión de imágenes, bellamente fotografiadas en blanco y negro por Gordon Willis, muestra algunos de los rincones más reconocibles de la metrópoli estadounidense. La película que nos ocupa es, qué duda cabe, uno de los trabajos más satisfactorios de su autor, que compone un delicioso y romántico poema dedicado a su querida ciudad natal. 

Manhattan es una obra divertida, inteligente, sarcástica, tierna, amarga. Un filme que ahonda en las complejas relaciones de pareja bajo las luces de Broadway y a la sombra del puente de Queensboro. Allen escribe unos diálogos memorables acerca de la vida, el amor, el sexo o el arte. La maravillosa música de George Gershwin acompaña las idas y venidas sentimentales de unos personajes que no saben lo que quieren. La neurosis de la gran urbe de cemento ha terminado por convertir sus vidas en un caos emocional indescifrable. Ahí está Isaac Davis (genial composición del propio Allen), judío de mediana edad que odia su trabajo y ha dejado de tener fe en las personas que lo rodean. Su segunda esposa lo abandonó por otra mujer, tiene una relación erótico-festiva con una chica de diecisiete años y ahora se enamora de la amante de su mejor/único amigo, que, para colmo de males, resulta ser una esnob engreída incapaz de apreciar el cine de su admirado Ingmar Bergman (“Si llega a decir algo más sobre Ingmar Bergman le saco de un puñetazo las lentes de contacto”). Está claro que lo suyo no es encontrar la felicidad al lado de una mujer. Menos mal que siempre quedará París, o como él mismo dice: “Groucho Marx, Jimmy Connors, el segundo movimiento de la Sinfonía Júpiter, Louis Armstrong y su grabación Potato Head Blues, algunas películas suecas, La educación sentimental de Flaubert, Marlon Brando, Frank Sinatra, las increíbles manzanas y peras de Cézanne, los mariscos de Sam Wo´s, el rostro de Tracy…”.

Al margen de la ya mítica postal de Allen y Keaton sentados en un banco al amanecer frente al puente de Queensboro, la cual se utilizó en el cartel original de la película, en Manhattan hallamos otros momentos igualmente grandiosos, como el mágico paseo de ambos por el interior del planetario o la regañiña de Isaac a su amigo Yale en un aula, junto al que parece ser el esqueleto de un Australopithecus boisei. Desde luego, ¡qué poco hemos evolucionado!

Midnight in Paris (ídem, 2011) de Woody Allen.

Gil (Owen Wilson), escritor norteamericano de guiones cinematográficos, pasa unos días en París en compañía de su prometida (Rachel McAdams) y de los padres de ésta, mientras trata de perfilar la que va a ser su primera novela. Una noche, paseando por las calles parisinas, es transportado a sus adorados años veinte. La experiencia se irá repitiendo, siempre a partir de las doce, durante las noches siguientes. 

Woody Allen plasma en esta evocadora y nostálgica fantasía escapista de tono divertido y relajado, cómo las insatisfacciones del presente nos conducen, de manera literal en este caso, a la idealizada rememoración de un pasado que siempre nos parece mejor por el mero hecho de no ser nuestro tiempo vivido. Midnight in Paris, que no es una gran película pero sí un estimable ejercicio de evasión, supone además una carta de amor a París; a sus calles, edificios y gentes. De ahí ese prólogo en el que, a través de una sucesión de planos fijos a modo de estampas, se muestran los rincones más emblemáticos de la Ville lumière.

El autor de Manhattan rueda la historia con elegante sencillez, sin adornos y alejándose de cualquier tipo de pretensión. Sus señas de identidad se manifiestan en algunos rasgos de la personalidad del protagonista, en los ingeniosos diálogos y en determinados momentos de delicioso surrealismo.

Lo mejor del filme son los ¿imaginarios? paseos nocturnos del personaje principal por el París bohemio de los años veinte, en los que se topará con varias de las personalidades artísticas más importantes de la época como Ernest Hemingway, Scott Fitzgerald, Pablo Picasso, Luis Buñuel o Salvador Dalí entre otros. Estos encuentros le servirán de inspiración a la hora de rematar su novela, y también para tomar verdadera conciencia del estado en el que se encuentra su vida, impulsándolo a tomar las decisiones adecuadas.

Owen Wilson está espléndido en su rol de enajenado y romántico soñador, pero quien brilla con luz propia es una encantadora y preciosa Marion Cotillard (nos creemos que pudiera ser la amante de Modigliani, de Braque, de Picasso o de quien hiciese falta).

En conclusión: una película entrañable e inteligente que se disfruta sin esfuerzo. Muy recomendable.