El laberinto del fauno (2006) de Guillermo del Toro.

“Sólo la fantasía permanece siempre joven; lo que no ha ocurrido jamás no envejece nunca”.
 (Friedrich Schiller)

España, 1944. Ofelia (Ivana Baquero), una niña de trece años aficionada a los cuentos, se traslada junto con su madre, Carmen (Ariadna Gil), quien se encuentra en avanzado estado de gestación, a un pequeño pueblo del Pirineo Aragonés donde el nuevo marido de ésta, Vidal (Sergi López), despiadado capitán de la Policía Armada franquista, trata de acabar con los reductos de la resistencia republicana que aún permanecen escondidos en el monte. Una noche, Ofelia descubre las ruinas de un viejo laberinto en el que habita un fauno (Doug Jones), el cual le revela que ella es, en realidad, una princesa de un mundo desconocido que lleva tiempo esperando su vuelta. Para poder regresar, Ofelia tendrá que superar tres pruebas antes de que llegue la luna llena. 


Sobrevalorado filme de producción hispano-mexicana que recibió multitud de premios, incluidos tres Óscars, y granjeó fama internacional a su irregular director, el guadalajarense Guillermo del Toro. Se trata de un drama fantástico que incide en el poder de la imaginación infantil como medio de evasión en un contexto deprimido, siguiendo así la línea marcada por Lewis Carroll en su Alicia en el país de las maravillas, pero con un tono más lúgubre y cercano al universo del autor de Cronos. En el plano visual, la película evidencia el influjo estético de algunos trabajos de Tim Burton como Sleepy Hollow.


De las dos realidades que se entremezclan a lo largo de El laberinto del fauno, la más interesante, sin el menor atisbo de duda, es la fantástica. En ella, del Toro crea atmósferas de inquietante imaginería, acercándose por momentos al cine de terror. Destacan los encuentros entre Ofelia y el fauno, además del tenso pasaje en el que la niña se ve obligada a escapar de una monstruosa criatura ciega. La labor del equipo de maquillaje resulta extraordinaria, constituyendo lo mejor de la cinta junto con la preciosa fotografía de Guillermo Navarro. La parte realista ya es otro cantar, con una resobada trama sobre la guerra civil, un discurso ideológico maniqueo y una pobre descripción de personajes que en ocasiones bordea la mera y grotesca caricatura (véase el personaje del capitán, por ejemplo). Ese desequilibrio perjudica seriamente la valoración del conjunto. 


Por último y en relación con el reparto, sólo subrayaría la cándida presencia de la joven Ivana Baquero, todo un descubrimiento. Sergi López está sobreactuado, y el personaje de Maribel Verdú es tan simplón que parece difícil sacarle mayor partido. 

Lo dicho, una obra estimable sin más.


Los veinte mejores directores vivos.


1. Béla Tarr (nacido el 21 de julio de 1955 en Pécs, Hungría).




2. Terrence Malick (nacido el 30 de noviembre de 1943 en Waco, Texas, Estados Unidos).




3. David Lynch (nacido el 20 de enero de 1946 en Missoula, Montana, Estados Unidos).




4. Víctor Erice (nacido el 30 de junio de 1940 en Carranza, Vizcaya, España).




5. Roman Polanski (nacido el 18 de agosto de 1933 en París, Francia).




6. Martin Scorsese (nacido el 17 de noviembre de 1942 en Nueva York, Estados Unidos).




7. Werner Herzog (nacido el 5 de septiembre de 1942 en Múnich, Alemania).




8. Clint Eastwood (nacido el 31 de mayo de 1930 en San Francisco, California, Estados Unidos).




9. Ang Lee (nacido el 23 de octubre de 1954 en Pingtun, Taiwán).




10. Michael Haneke (nacido el 23 de marzo de 1942 en Múnich, Alemania).




11. David Cronenberg (nacido el 15 de marzo de 1943 en Toronto, Canadá).




12. Francis Ford Coppola (nacido el 7 de abril de 1939 en Detroit, Michigan, Estados Unidos).




13. Wong Kar-wai (nacido el 17 de julio de 1958 en Shanghái, China).




14. Jean-Luc Godard (nacido el 3 de diciembre de 1930 en París, Francia).




15. Zhang Yimou (nacido el 14 de noviembre de 1951 en Xi'an, China).




16. Joel y Ethan Coen (nacidos el 29 de noviembre de 1954 y el 21 de septiembre de 1957 en Minnesota, Estados Unidos).




17. Mike Leigh (nacido el 20 de febrero de 1943 en Broughton, Salford, Lancashire, Reino Unido).




18. Paul Thomas Anderson (nacido el 26 de junio de 1970 en Studio City, California, Estados Unidos).




19. Peter Weir (nacido el 21 de agosto de 1944 en Sidney, Australia).




20. Darren Aronofsky (nacido el 12 de febrero de 1969 en Nueva York, Estados Unidos).


Promesas del este (Eastern Promises, 2007) de David Cronenberg.

“A veces nacer y morir van de la mano”.

Anna (Naomi Watts) ejerce como matrona en un hospital londinense. Una noche, mientras está de guardia, atiende a una joven rusa que muere durante el parto. A través del diario que encuentra en su bolso, intenta localizar a sus familiares para hacerles entrega de la niña recién nacida. Sin embargo, sus pesquisas la conducen a un lujoso restaurante propiedad de la mafia, donde conoce a Nikolai (Viggo Mortensen), el rudo chófer de la organización. 


En el que supone uno de sus mejores trabajos, el cineasta canadiense David Cronenberg, partiendo de una historia de mafiosos convencional, elabora un desesperanzador y complejo drama sobre una de las formas de esclavitud más extendidas en el mundo occidental: la prostitución. Quizá su mayor acierto sea el sutil modo en el que hace del trasfondo el tema principal de la película, utilizando la trama mafiosa como mero revestimiento de aquello que verdaderamente quiere contar. Por tanto, comparar a Eastern Promises con otros títulos del género que en poco se le parecen, se torna un ejercicio zafio a la par que reduccionista. Los árboles no deben impedirnos ver el bosque. 

Pese a lo crudas que puedan ser determinadas escenas (el sangriento arranque en la barbería, por ejemplo), el filme posee una belleza extraña, cuasi mórbida, que provoca que sus imágenes queden grabadas en la retina del espectador hasta mucho tiempo después de que éste haya procedido a su visionado. Además, la excelente partitura de Howard Shore, unida a la voz en off que se desprende de la lectura del diario de la prostituta, otorgan al conjunto un aura de turbadora y envolvente melancolía.


De todos los personajes de la cinta, el de Nikolai es el más puramente cronenbergiano dada su dualidad. Viggo Mortensen realiza una lacónica y soberbia interpretación que le valió la nominación al Oscar. Hay dos secuencias, antológicas a mi entender, en las que el autor de Crash muestra su habitual fascinación por la mutación física; aunque lo haga de manera menos aparatosa que en ocasiones anteriores. Me estoy refiriendo al ritual que convierte a Nikolai en vor (mafioso ruso de pleno derecho), y a la pelea que tiene lugar en el interior de unos vaporosos baños turcos. En ambas, el cuerpo desnudo del chófer se transforma: a consecuencia de los tatuajes en el primer caso, y de las magulladuras en el segundo. También resulta muy interesante el personaje de Kirill, al que interpreta el siempre estupendo Vincent Cassel, de quien Nicolai es siervo, amigo y protector. Se trata de un tipo débil y bravucón que sólo piensa en divertirse. En él se aprecia una latente homosexualidad reprimida por temor hacia la autoritaria figura paterna. Naomi Watts aporta al relato el necesario contrapunto sentimental, mientras que Jerzy Skolimowski, el tío borrachín de ésta, hace lo propio con las dosis de humor.


Promesas del este se erige como una sólida obra cinematográfica resuelta con sabiduría y madurez. El mejor Cronenberg en veinte años. 


Palmarés completo de la 85 edición de los Oscar.


Mejor película: Argo.




Mejor director: Ang Lee por La vida de Pi.




Mejor actor protagonista: Daniel Day-Lewis por Lincoln.




Mejor actriz protagonista: Jennifer Lawrence por El lado bueno de las cosas.




Mejor actor secundario: Christoph Waltz por Django desencadenado.




Mejor actriz secundaria: Anne Hathaway por Los Miserables.




Mejor guión original: Quentin Tarantino por Django desencadenado.




Mejor guión adaptado: Chris Terrio por Argo.




Mejor película de habla no inglesa: Amor de Michael Haneke.




Mejor película animada: Brave.



Otras categorías.


MEJOR FOTOGRAFÍA.

Claudio Miranda por La vida de Pi.


MEJOR BANDA SONORA.

Mychael Danna La vida de Pi.


MEJOR CANCIÓN.

Skyfall.


MEJOR MONTAJE.

William Goldenberg por Argo.


MEJOR DISEÑO DE PRODUCCIÓN.

Rick Carter y Jim Erickson por Lincoln.


MEJOR VESTUARIO.

Jacqueline Durran por Anna Karenina.


MEJORES EFECTOS ESPECIALES.

La vida de Pi.


MEJOR MAQUILLAJE.

Lisa Westcott y Julie Dartnell por Los Miserables.


MEJOR SONIDO.

Andy Nelson, Mark Peterson y Simon Hayes por Los Miserables.


MEJOR MONTAJE DE SONIDO.

Per Hallberg y Karen Baker Landers por Skyfall.

Paul N. J. Ottoson por La noche más oscura.

(Ex aequo)


MEJOR PELÍCULA DOCUMENTAL.

Searching for Sugar Man.


MEJOR CORTOMETRAJE.

Curfew.


MEJOR CORTOMETRAJE DOCUMENTAL.

Inocente.


MEJOR CORTOMETRAJE ANIMADO.

Paperman.

Mis predicciones para los Premios Oscar 2013. ¿Cuáles son las vuestras?


Mejor película: Argo.



Mejor director: Ang Lee por La vida de Pi.



Mejor actor protagonista: Daniel Day-Lewis por Lincoln.



Mejor actriz protagonista: Emmanuelle Riva por Amor.



Mejor actor secundario: Christoph Waltz por Django desencadenado.



Mejor actriz secundaria: Anne Hathaway por Los Miserables.



Mejor guión original: Michael Haneke por Amor.



Mejor guión adaptado: Chris Terrio por Argo.



Mejor película animada: Brave.



Mejor película de habla no inglesa: Amor.


Otras categorías:

Mejor fotografía: Claudio Miranda por La vida de Pi.

Mejor banda sonora: Mychael Danna por La vida de Pi.

Mejor canción: Skyfall de Adele.

Mejor montaje: William Goldenberg por Argo.

Mejor diseño de producción: Eve Stewart y Anna Lynch-Robinson por Los Miserables.

Mejor vestuario: Jacqueline Durran por Anna Karenina.

Mejores efectos especiales: La vida de Pi.

Mejor maquillaje: Peter Swords King, Rick Findlater y Tami Lane por El Hobbit: un viaje inesperado.

Mejor sonido: Andy Nelson, Mark Peterson y Simon Hayes por Los Miserables.

Mejor montaje de sonido: Eugene Gearty y Philp Stockton por La vida de Pi.

Mejor película documental: Searching for Sugar Man.

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